Трябва ли да купувате изобразително изкуство като инвестиция? - Видове и рискове
Докато през изминалите години съм купувал други картини и бронзови скулптури, нито едно произведение на изкуството не е заменило моята обич - дори любовта - към тази картина. Той заема централна сцена в моите офиси почти 40 години. Сцената ми напомня за ранното ми детство в Тексас, удовлетвореността от физическата работа и постоянството, необходимо за изграждане на бъдеще на всяко място. Разпознавам баща, дядо и чичо по позите и израженията на ездачите.
Изкуството винаги ни е раздвижвало и е предизвиквало спомени и мечти за други времена и места. Предполага се, че британският драматург Джордж Бернар Шоу е казал: „Използвате стъклено огледало, за да видите лицето си; използвате произведения на изкуството, за да видите душата си. "
Не е изненадващо, че някои са нетърпеливи да спечелят привличането си към изобразителното изкуство, разглеждайки го като нов инвестиционен клас, заедно с акции, облигации и злато. Според привържениците на изкуството инвестиционното изкуство може да осигури годишна възвръщаемост от 10% или повече. Някои казват, че движението му е противоциклично спрямо движението на акции и по този начин може да стабилизира портфейл по време на периоди на нестабилност. Лорънс Финк, главен изпълнителен директор на Blackrock Financial, един от най-големите световни фондови мениджъри, твърди в интервю за Bloomberg, че съвременното изкуство е „сериозен“ клас активи и „един от първите две най-големи магазини на ценности в международен план“.
Дали изобразителното изкуство е подходяща инвестиция за всички? Ако се откажете от закупуването на акции или облигации, за да купите картина или да инвестирате в изкуство чрез компания като MASTERWORKS? Как собствеността върху изкуството се различава от традиционните инвестиции като акции, облигации, недвижими имоти или злато? Нека да разгледаме.
Защо изкуството ни привлича
Жан-Люк Годар, френски режисьор и баща на филмовото движение „Нова вълна“, твърди: „Изкуството ни привлича само от това, което разкрива за най-тайното ни аз“. Изкуството е физическото изразяване на мисли и емоции. Създаването на произведения на изкуството е интензивно лично, като художникът изразява своята уникална перспектива за света - реална и въображаема - около него.
Изследване на невробиолога Семи Зеки от Университетския колеж в Лондон установи, че гледането на изкуство предизвиква прилив на допамин - химическия невротрансмитер, който ни кара да се чувстваме добре - в мозъка. Чувствата, свързани с изкуството, установи Зеки, бяха подобни на тези, свързани с романтичната любов.
Изобразително изкуство - картини, скулптури, рисунки, фотографии и щампи - надхвърля времето и пространството. Съвършенството на физическата красота, уловена от „Дейвид“ на Микеланджело, гневът на „Крикът“ на Едвард Мунк и мистерията зад усмивката на Мона Лиза очароваха зрителите от векове. Закупуването на изкуство за печелене на пари обаче е сравнително модерно развитие.
Изобразително изкуство като инвестиция
От векове собствеността върху изобразителното изкуство е ограничена до елита на обществото. Само заможните - аристокрация, църкви, правителства и много успешни търговци - могат да си позволят да закупят или спонсорират произведение на изкуството. Показването на картина или скулптура в частна обстановка беше физическо доказателство за нечий статус. Стивън Причард, пишещ в „Културни въпроси“, отбелязва, че още през Ренесанса собствеността върху изкуството означава „статус, влияние, власт и богатство“.
Икономическият растеж, започнал след годините след Втората световна война, разшири броя на свръхвисоките нетни ценни индивиди (UHNWI) и превърна изкуството от пазарен ниша в глобална търговия. Томас Сейду от аукционната къща „Кристи“ отбеляза в интервю за 2014 г. в „Нова република“: „Когато започнах преди 30 години, милионерите разполагаха с лодки и джетове - но не бяха задължително да притежават никакво изкуство. За много богатите днес не е добре да не се интересуват от изкуство. "
Нарастващото търсене на изобразително изкуство бързо привлече финансовата индустрия, която усети, че има печалба, която трябва да бъде направена чрез обслужването на тези нови, неопитни купувачи. Изследване на Deloitte установи, че услугите за изобразително изкуство на финансовите фирми сега варират от специализирани съвети до пълни услуги, които включват първоначални изследвания, улесняване на транзакциите, оценки, наследяване и филантропско планиране и кредитиране.
Фондове за изкуство
Художествените фондове, моделирани след успешния опит на Британския железопътен пенсионен фонд със собственост на изобразителното изкуство, се разпространиха през първото десетилетие на новия век с 50 фонда, действащи в световен мащаб. До края на десетилетието само 12 фондове останаха в бизнеса. През 2015 г. Private Art Investor публикува 16 частни фонда за изкуство, много от които се предлагат от същите мениджъри със специален фонд, предназначен за конкретен вид изкуство.
Тод Левин, директор на базираната в Ню Йорк Levin Art Group, съветва, че „художественият фонд е много скъпо предложение, поради накладните разходи, изяждащи се с нечия печалба“. Мелани Герлис, автор на „Изкуството като инвестиция ?: Проучване на сравнителните активи“, се съгласи, като отбеляза, че „изкуството не е достатъчно ликвидни активи, за да се получи такъв вид възвръщаемост, който инвеститор би искал“.
Много любители на изобразителното изкуство не са съгласни, посочвайки силно рекламираните продажби на изкуства на аукционни къщи като Sotheby's и Christie's. Както отбелязва Deloitte, „предлагането на най-добрите произведения на изкуството винаги ще бъде ограничено и има тенденция да се оценява във времето. Особено за починали топ-художници, тъй като картините се губят или се купуват от музеи и колекционери. " Madelaine D'Angelo, основател на компанията, базирана на данни за изкуство, консултантска компания Arthena, твърди в статия от 2017 г. в TechCrunch, че инвестицията в изкуството „предлага впечатляваща възвръщаемост, без да бъде прекалено обвързана с възходите и паденията на фондовия пазар“.
Видове инвестиционен клас Чл
По-голямата част от изкуството, произведено през вековете, се губи във флотаса и джетсама на времето, унищожава се или се забравя и се оставя да избледнее в затъмнени тавани или мазета. Редките парчета, които оцеляват поколение след поколение, са тези, които улавят и предават същността на човешкия опит, отличаващ се с умението, предмета и постановката на художника. Тези произведения се считат за изкуство с инвестиционен клас и попадат в една от следните категории.
1. Шедьоври
Тези широко признати произведения, създадени от най-големите световни художници (или „Старите майстори“), са собственост на музеи и няколко частни колекционери. Когато парче стане достъпно за закупуване, то често се продава за десетки или дори стотици милиони долари. Наскоро откритата Da Vinci, „Salvator Mundi“, продадена за 450,3 милиона долара през 2017 г., „Жените на Алжир“ на Пикасо донесе 179,4 милиона долара през 2015 г., а „Портрет на д-р Гачет“ на Ван Гог продаден за 2,5 милиона долара през 1990 г..
2. Сини чипове
Ценени от 250 000 долара и нагоре, тези картини са продукт на утвърдени, добре признати имена в света на изкуствата, чиито произведения са спечелили множество награди и са представени в частни музейни изложби. Тези художници са починали, като се гарантира, че предлагането на техните произведения е ограничено. Сините чипове се предпочитат от UHNWI, които ангажират консултанти и редовно участват в големи търгове. В тази категория са включени творбите на художници като Франсис Бейкън, Хелън Франкентхалер и Герхард Рихтер.
3. Живи художници от средната кариера
Еквивалентни на растеж на ценните книжа, произведенията на тази група са признати с награди и обикновено се намират в частни колекции и няколко музея. Тези художници са представени от най-уважаваните галерии, а цените за техните произведения започват около 50 000 долара, но могат да достигнат до милионите. Колекционерите смятат Никола Тайсън и Рудолф Стингел за част от тази група.
4. Възникващи артисти
Тази група е съставена от по-млади художници, които едва започват кариерата си, чиито произведения обикновено се продават за 10 000 долара или по-малко. Колекционерите очакват, че най-значителните финансови печалби ще възникнат от тази група, ако изпълнят ранното си обещание. Докато изкуството им не е в музеите, техният потенциал е признат от критици и арт списания като Frize и Artforum. Джоел Меслър от нюйоркската художествена галерия Mesler Feuer посочва художници като Лои Холоуел, Брад Троемел и Тони Люис сред най-актуалните в света на изкуството.
Доставчици на изобразително изкуство
Ако искате да започнете колекция от изящни изкуства, има няколко различни пътища, към които можете да се обърнете.
1. Домове за аукционни изкуства
Търговете с изкуства се използват за продажба на предмети на изкуството от края на 1600 година. Двете най-известни къщи - Sotheby's и Christie's, са създадени съответно през 1744 и 1766 г. и се считат за най-престижните места за търг днес. Въпреки това има много други места, където амбициозните колекционери на изкуство могат да намерят парчета. Процесът на търг като канал за продажба на произведения на изкуството е широко достъпен, като спонсорите на търга варират от регионални и местни търговци на изкуства.
Докато продавачите и купувачите могат да останат анонимни, „цената на чука“ на парче - или цената, за която се продава, обозначена с чука на чука на търговеца - е обществено известно и се използва от оценителите за оценка на стойността на подобни върши работа. Крайната цена, платена от купувач, не включва такси и такси, добавени от аукционната къща.
Преди търг, аукционната къща обикновено изчислява диапазон от цени, на които ще се продава парче. В някои случаи аукционната къща може да гарантира - директно или чрез трета страна - минимална покупна цена за изкуството на продавача. В други случаи продавачите могат да установят минималната цена или „резерв“ за тяхното изкуство, което трябва да бъде изпълнено преди да приключи продажбата. Произведенията, които не се продават на търг, се наричат „закупени“.
2. Дилъри на изкуство
В началото на 20-ти век британският търговец на изкуства Джоузеф Дювен направи цяло състояние (и спечели британска титла), като продаде „Старите майстори“, придобити от бедни на пари европейски аристократи, на американски нуво рише. Американските капитани на индустрията - Морган, Гулд, Рокфелер, Карнеги и Кларк - изпълниха своите новоизградени имения с картини и скулптури, за да обявят финансовия си успех и да демонстрират новия си статус на световната сцена.
Заможните не са единствените, които печелят от търговци на изкуства. Творбите на импресионистите като Мане, Реноар, Моне, Дега и Сезан остават популярни и днес, като продажбите на техните картини достигат десетки милиони долари. Въпреки това, без подкрепата на френския търговец на изкуства Пол Дюран-Руел, тези художници може би са избледнели в неизвестност.
Според куратора на Музея на изкуствата във Филаделфия Дженифър Томпсън, Дюранд-Руел закупил „над 1000 монета, 1500 реноара, 800 писароса, 400 сизела, 400 касати и около 200 манета“. Докато обществото не харесваше и често се подиграваше с тези картини, търговецът на изкуства подкрепяше художниците с стипендии и заеми от години, въпреки липсата на интерес към импресионизма. Моне твърди: „Ние щяхме да умрем от глад без Дюранд-Руел, всички ние импресионисти.“
3. Директни продажби на изпълнители
Много нови или нови артисти се отказват от спонсорството на търговец на изкуства и продават произведения директно на купувачите. Това може да бъде чудесен начин колекционерите на бюджет да се докоснат до парчета от бъдещи художници.
Нюйоркската двойка Дороти и Хърбърт Вогел - съответно библиотекар и пощенски работник - се скараха и спестиха да купуват малки произведения на нововъзникващите минималисти през 60-те и 70-те години на миналия век, като плащаха само по няколкостотин долара за всеки. През следващите 40 години те събраха колекция от 2400 броя на стойност стотици милиони долари. Впоследствие те дариха своята колекция на Националната художествена галерия, която предлага безплатен вход за публиката. Лучо Поци, един от любимите им художници, обясни: „Те бяха художници, а колекцията беше тяхно произведение на изкуството.“
Рискове от инвестиране в чл
Преди да инвестирате в който и да е актив, трябва да вземете предвид своите краткосрочни и дългосрочни финансови цели и толерантност към риска. Вашето финансово състояние и инвестиционният опит също трябва да играят роля във вашия анализ. И накрая, определете дали ще бъдете активен или пасивен инвеститор. Ако възнамерявате да бъдете активен инвеститор, трябва да сте готови да придобиете знанията и опита, необходими за независимо проучване и вземане на решения за вашите инвестиции, включително кога да купувате или продавате. Пасивните инвеститори разчитат на независими експерти, които да ги съветват за подобни решения.
Финансовите съветници са съгласни, че изобразителното изкуство е за разлика от традиционните инвестиционни средства като акции, облигации и стоки. В резултат на това всяка парична възвръщаемост от инвестиционното изкуство е несигурна. Всеки потенциален купувач на изкуство за инвестиция трябва да вземе предвид следните недостатъци на начинанието.
1. Несигурни норми на възвръщаемост
Художествените публицисти и редакторите на вестници обичат историите, в които обикновеният мъж намира отдавна изгубена, прашна картина на тавана или купува изхвърлено парче в разпродажба на квартален двор и открива, че струва милиони. Докато подобни приказки изпълват сърцето на всеки колекционер с надежда, вероятността това да ви се случи е по-ниска от вероятността да спечелите лотарията два пъти за една година. Има няколко причини за това.
Скрити прогнози
Финансовата възвръщаемост от изобразителното изкуство варира от година на година. Например, средната годишна възвращаемост за S&P 500 е била около 11,69% от 1973 до 2016 г. Годишната норма на възвръщаемост на художествените активи е несигурна, с различни резултати, получени от различни индекси. Индексът на продажбите на Blouin Art Sales, мярка, често използвана от търговци на изкуства, изчислява 10% годишна възвръщаемост, малко по-малка от S&P индекса. Въпреки това, изследователи от Stanford Business School анализираха данните за продажбите и установиха, че резултатът е по-близо до 6,5%. Когато Герлис изчисли средната възвращаемост на изкуството с инвестиционен клас, държано за пет до 10 години, тя заключи, че тя е около 4%.
За какво се дължи голямото различие в резултатите? Изчисленията на възвръщаемостта са ограничени до малка база данни за публични продажби и пропускат частни транзакции, които съставляват повече от половината от пазара на изкуства с инвестиционен клас. Тези индекси също игнорират произведенията на изкуството, които не се продават на търг всяка година.
Както обяснява авторът и художественият критик Грузин Адамс в „Големите пари: експлозията на пазара на изкуствата през 21 век“, „Ако се продадат 10 Warhols, девет се купуват, но една утроява оценката си, тогава индексите на ефективността ще бъдат записани добър резултат. " Това не представя на колекционерите точна представа за това колко вероятно може да командва всяко отделно произведение на изкуството.
Без годишна възвръщаемост
За разлика от акции или недвижими имоти, изкуството не генерира никакъв доход за своите собственици - освен ако не сте дилър или таксувате допускане на хората да видят вашето парче. Единствената възможност за повечето хора да печелят е да продадат изкуството за повече от покупната му цена.
Текущи разходи
Притежаването на произведение на изкуството с инвестиционна стойност включва много повече от това да вземете парчето вкъщи и да го окачите на стената. Като горд собственик, ще искате да покажете колекцията си, за да подчертаете красотата й и да защитите нейната стойност със специално осветление, отделено пространство и контрол на околната среда.
Застрахователните премии за защита на вашите парчета от кражба, загуба или повреда могат да възлизат на няколко хиляди долара годишно, а застрахователят може да изисква извънредни мерки за сигурност - каквито са 24 -7 видео наблюдението - за да запази произведението на изкуството. Периодичните оценки са необходими за поддържане на пълна защита, ако изкуството оценява. Може да са необходими специални опаковки и процедури, когато произведението се премества или транспортира, включително до и от търговец на изкуства или аукционна къща.
2. Липса на прозрачност
Повечето инвестиции са силно регулирани, но пазарът на изкуство - който включва дилъри, галерии, панаири и изложби на изкуства и търгове - почти няма регулация или надзор. Красотата може да е в очите на гледащия, но стойността на предметите на изкуството е произволно зададена от слаба колекция от галерии, изкуствоведи и консултанти, които определят цените и контролират купувачите. По-голямата част от продажбите са частни, недекларирани транзакции или се провеждат на публични търгове, където търговците могат да фалшифицират цените, като надуват оферти..
Потенциал за измама
Тази липса на информация редовно води до фалшификати и скандали, които заблудиха дори най-известните дилъри, аукционни къщи и музеи. Степента на фалшификатите в света на изкуството не е известна, тъй като повечето случаи, свързани с фалшификати или оспорвани произведения, се уреждат насаме между продавача или аукционната къща и купувача на фалшификатите.
- Knoedler & Company. Една от най-старите и най-реномираните галерии в Ню Йорк, тя продаде 70 милиона долара фалшиви Pollocks, Motherwells и Rothcos на доверен клиент, което доведе до закриването му през 2011 г..
- Кристи. През 1995 г. аукционната къща продаде фалшивото „Момиче със лебед“, за което се твърди, че от немския художник Хайнрих Кампендонк, заедно с други фалшификати, за няколко милиона долара. Според The New York Times, аукционната къща също е продала фалшив Марк Шагал през 1997 г. за 450 000 долара. Когато това беше открито, Кристи прекрати продажбата и върна парите на купувача.
- Музеи на изкуствата. Дори най-известните колекционери на изкуство в света, включително Метрополитен музей на изкуствата в Ню Йорк и Лувъра, не са имунизирани от внимателно изработени фалшификати. Робърт Уолш, бивш търговец на изкуства, отбелязва в статия на Salon, че Джордж Демот, прословут като „най-големият фалшификатор в света“, е продал най-малко шест фалшификати на „Мет“. Майкъл Глоувър от независимия вестник на Великобритания твърди, че поне 20% от картините, съхранявани от музеи от световна класа, са фалшиви.
Доказателство за автентичност
Прованс - историята на собствеността и прехвърлянията на даден предмет - е особено важна в света на изкуството. Тази документация трябва да включва името на всяка аукционна къща, дилър, галерия или колекционер, който е притежавал парчето, както и физическо доказателство за правото си да го продадат.
В допълнение към доказването на автентичността, произходът служи като доказателство, че лицето, което притежава предмет, има законното право да го продаде. И накрая, идентичността на бившите собственици може да повлияе на пазарната цена; картина, собственост на британски крал, се оценява по-високо, отколкото ако е била притежавана от неразкрит собственик.
Не бъркайте произхода с оценка; оценителите основават своите цифри на предположението, че едно произведение е автентично. Изследването на произхода изисква различни умения, обучение и значителен опит и опит с конкретния художник. Най-достоверните експерти ще публикуват документи, преподават курсове или каталогизират есета за художника. Роднини, служители и потомци на художника обикновено също се приемат като квалифицирани власти.
3. Прекомерни такси за транзакции
Пазарът на изобразително изкуство отразява реалността на свободните пазари; когато предлагането е по-малко от търсенето, цените се повишават до достигане на равновесие и обратно. Няма „справедлива” цена за произведение на изкуството, а просто цената, по която купувачът и продавачът могат да се споразумеят. Договорената цена може да не е сумата, която продавачът плаща или купувачът получава, тъй като обикновено от добавената цена се добавя или изважда от продажната цена.
Художествените дилъри обикновено маркират парчета с 50% до 100% или повече и не се изисква да информират купувачите за маркирането. Един дилър на изкуства, Ив Бувиер, оправда 24,5 милиона долара премия на клиента си за картина на Modigliani, закупена за 93,5 милиона долара, въз основа на това, че „той действа като дилър, че това е ясно и за двете страни и че той има право да направи каквото можеше. " Клиентът му го съди за измама, като се оплаква, че надценките са над 1 милиард долара при закупуването на 38 картини.
Аукционните къщи като Sotheby's и Christie's също добавят такси върху цената на чука. Тези такси, които понякога се договарят, включват премия от 12% до 25% въз основа на цена, комисионни на продавача, такси за онлайн офериране, такси за застраховка и съхранение, докато сте в аукционната къща, и разходи на трети страни. Някои аукционери начисляват такса за обратно изкупуване до 5% от резервната цена на артикула, ако не се случи продажба.
Покупки във вратовръзка
Любима стратегия на дилъри, представляващи нововъзникващи художници, е да изискат от купувачите да купуват произведения на други художници, за да придобият желаното произведение, според Mesler. Той каза на списание Wealthsimple, че за да си купите картина от истински горещ художник, „Ще има размяна на раздаване с галерии, където може би искате да купите няколко други художници от тяхната програма, които не са толкова горещи. Това е начинът, по който галериите остават в бизнеса. "
4. Неликвидност и продължителни периоди на задържане
Според проучвания на Американския музей на изкуствата Smithsonian, има повече от 400 000 произведения на изкуството в публични и частни колекции по целия свят. Цифрите, съставени от Бюрото по трудова статистика, установяват, че в САЩ има повече от 27 100 художници, скулптори и илюстратори, всеки от които произвежда оригинални парчета, използвайки различни носители - като масло, акварел и гуаш - и повърхности, като хартия, платно и дърво. Темата и стиловете допълнително разграничават едно парче от друго. Тъй като всяко произведение на изкуството е уникално, конкретно произведение обикновено се харесва на избрана група потенциални купувачи.
Купувачите често са нестабилни, особено тези, които купуват с намерението за лесни печалби. Картина на Лучиан Смит, която първоначално беше продадена за 10 000 долара през 2011 г., донесе 389 000 долара на търг през 2013 г .; по-новите му творби обаче се продават в диапазона от 10 000 до 25 000 долара, според Bloomberg. Джеф Рабин, главен и съосновател на Artvest Partners, независима консултантска фирма за изкуство в Ню Йорк, казва в The Wall Street Journal, че колекционерите трябва да обичат парчетата, които купуват, тъй като няма гаранция за вторичен пазар, така че може да останат с тях.
Дори експертите могат да се заблудят да мислят, че едно парче ще струва много повече, отколкото всъщност се продава. Дилърът и колекционер на изкуства Найлс Кантор закупи картина от Хю Скот-Дъглас за 100 000 долара, която беше оценена на едва 18 000 до 22 000 долара на търг две години по-късно. „Предпочитам да загубя“, казва той. „Чувствайте се, че може да стигне до нула. Това е като акция, която се срина. " Изводът е, че няма сигурност, че ще можете да продадете своето изкуство, когато искате или получите цената, която очаквате.
Високата разлика между цената на дилъра и крайната цена, платена от купувача, води до удължени периоди на задържане преди поскъпването да изпревари първоначалната надценка. Много дилъри предполагат минимален период на задържане от 10 години или повече, особено за нови или наскоро открити артисти. Може да отнеме поколения, за да може светът на изкуството да оцени гениалността на определен художник; Вермеер, Гоген и Ван Гог са представители на многото артисти, които са били считани за провали в живота си. Както Енрике Е. Либерман, президент на Асоциацията на фонда за изкуство, каза пред The Wall Street Journal: „Обикновено трябва да мислите като план от пет до 15 години, за да реализирате печалби.“
5. Необходими са знания на експертите
Понятието „изкуство с инвестиционен клас“ е въведено за идентифициране на конкретен обект на изкуството, „което се смята от професионалистите, че има голям шанс поне да задържи стойността си и вероятно да се увеличи“, според Wealthsimple.
Кварц отбелязва, че индустрията за инвестиции в изкуство „е разработила сложен процес на сигнализиране, при който одобрението на шепа галерии, колекционери и музеи определя какво е добро и ценно“. Галереите оправдават тази практика с твърдението, че защитават художника от капризите на пазара.
Познаването на играчите и взаимоотношенията в сенчестата мрежа от спонсори е от съществено значение, ако възнамерявате да купувате изкуство за признание. Дилърът на изкуства Marla Goldwasser отбелязва в Quartz, че макар да можете да получите еднакво атрактивно парче на улицата от неспонсориран художник, ще пропуснете инвестиционната стойност и социалния престиж, които придружават спонсориран от галерия обект.
Помислете за примера на Алгур Медоуз, тексаски петролен човек, който се довери на двама малко известни френски търговци на изкуство, които го убедиха да купи десетки картини в средата на 60-те години. Тези творби включват картини, за които се предполага, че са Гоген, Дюфи, Шагал и Бонард. Въпреки това, когато той се опита да продаде някои от тях, те бяха открити за фалшиви.
Впоследствие Медоуз възстанови колекцията си, занимавайки се само с най-реномираните дилъри и разчитайки на съветите на Уилям Джордан, първият директор на Музея на ливадите в Южния методистки университет. Урокът, който трябва да се научи? Влизането в света на изящните изкуства без надежден водач е близко до събирането на гъби със завързани очи - може да изберете пълна кошница, но горко на тези, които ядат вашата реколта.
Заключителна дума
Всички доказателства сочат заключението, че купуването на изобразително изкуство единствено за да извлече бъдеща печалба вероятно ще бъде неуспешно. Традиционните инвестиции като акции, облигации, недвижими имоти и злато имат повече прозрачност, по-добри регулации и по-висока ликвидност от изкуството. Транзакционните и собствени разходи за тях също са много по-малко от надценките и премиите, платени в света на изкуството. Внимавайте за предупреждението на Шейн Феро, репортер на икономиката за Business Insider и бивш репортер на пазара на изкуството в Artinfo: „Купуването на изкуство е хазарт в неликвидна и сенчеста сфера, доминирана от шепа играчи, които почти гарантират да знаят повече от вас.“
В моя случай изкуството на западните теми падна от благоразположение в средата на 80-те, тъй като петролните богатства се сринаха поради спад в цената на петрола. Освен това художникът, който рисува „Прибирайки се вкъщи”, никога не достига признанието и популярността, очаквани от ранния му талант. Ако днес продавах любимата си картина, щях да имам късмета да получа половината от покупната си цена.
Независимо от това, аз бих купил парчето отново. Получих почти 40 години удоволствие от гледането му и съм сигурен, че синът ми ще оцени изкуството, когато стане негово. В крайна сметка изкуството трябва да се придобие заради радостта, която ви доставя; всяка печалба в стойност е бонус.
Притежавате ли произведения на изкуството? Купихте ли ги, за да спечелите печалба или да угодите себе си?
